A continuación comparto el tratado del trabajo final de la materia.

MÚSICA

¿Qué ocurre en tu cuerpo al escuchar la pieza?

En cada corriente musical se siente una respuesta física integral que activa redes cerebrales, libera neurotransmisores de placer (dopamina), relajación cambia el ritmo cardíaco y la respiración dependiendo de la intensidad, frecuencia, ritmo…. Generan algunas composiciones sensaciones intensas, desde escalofríos, piel de gallina y emociones encontradas en el estómago. Todo va ligado a la apreciación musical, la música clásica – en mi caso, en su gran mayoría- me causan relajación muscular o energía estimulante, el jazz exacerba mis sentidos algo así como quien escucha melodía para ejercitarse, todo es de acuerdo a la combinación de esas notas musicales, mi personalidad está enfilada hacia la selección de música relajante, las notas suaves y las melodías románticas y hasta melancólicas.

¿Predomina la calma, tensión, melancolía, energía?

Como expresé con anterioridad, cada pieza musical representa una impresión diferente a nivel de sentidos y se experimentan emociones diferentes de acuerdo a ritmo, melodía, sonidos, instrumentos, línea del genio musical y esto va de la mano con el estilo musical de cada uno de ellos puesto a disposición de género musical, por ejemplo si es ópera, música clásica, pop, rock, jazz, blues, electrónica, hip hop, heavy metal y géneros latinos como salsa, merengue y bachata, sin obviar los sentimientos que causan los ritmos modernos como el reggaetón, hip-hop.

¿Qué texturas sonoras percibes? (densa, ligera, áspera, suave).

Cada pieza produce emociones y se percibe de modo diferente, aquellas notas ya escuchadas con anterioridad, me resultan familiares. Siento admiración de cómo se combinan las distintas capas melódicas, cómo se confabula cada ritma y armoniza en una pieza musical impresionante, sin desperdicio, es digno de exaltar la sensación de profundidad, riqueza y cómo se desenvuelve la organización en medio de instrumentos musicales, tonos de voz o voces y el palpitar que produce cada espacio musical para hacer la pieza densa, ligera, áspera o suave, lo cual tiene mucho que ver también con el artista, pues algunos prefieren el estruendo de una pieza musical cargada de sonoridades y otros juegan con la melodía calmada de un mar en calma que adormece los sentidos y crea la ensoñación de la nostalgia o un amor ya olvidado que renace con fuerza.

¿La música te envuelve o te mantiene distante?

A nivel personal me considero romántico y alguien quien ha vivido emociones fuertes, por lo que no puedo ser indiferente a arreglos musicales como esas preciosas piezas de Johann Sebastian Bach (Conciertos de Brandenburgo) o Antonio Vivaldi (4 Estaciones); alguien que me parece un verdadero genio es Richard Wagner (El ciclo del Anillo), pero en general la música, jamás, pero nunca jamás puede ser indiferente al ser humano consciente, que piensa, que vibra con el cimbrar de la vida. Puedo decir que me envuelve la música, jamás he sido indiferente a una pieza musical bien compuesta.

¿La composición tiene una estructura clara o parece libre?

La apreciación estética es la capacidad humana de reconocer, valorar y experimentar la belleza en el arte, la naturaleza y la vida cotidiana, involucrando sentidos, emociones y conocimientos previos. En la música, va más allá de la simple contemplación, implicando una interpretación crítica de elementos técnicos y conceptuales para generar una conexión profunda y emocional. La música parece volar libre, pero la realidad es que al percibir la música la vemos seguidas de una tonalidad que precede a otra y por lo tanto esta libertad está ciertamente ligada a la composición general, los tonos suben y bajan y dan la melodía que nos hace conocer y apreciar.

Aspectos Clave de la Apreciación Estética

• Proceso Integral: Incluye la observación minuciosa (forma, color, técnica), la interpretación (intención del autor) y la evaluación crítica (valor emocional).
• Desarrollo de Sensibilidad: Actúa como un viaje transformador que fomenta la empatía y la conexión con el entorno, elevando el respeto por la belleza.
• Componentes de la Experiencia: Requiere la interacción entre la percepción sensorial y el bagaje cultural o conocimientos teóricos del observador para entender la obra.
• Educación y Cultura: Se considera una habilidad intelectual esencial en la educación artística para desarrollar el pensamiento crítico y la creatividad.

Para una correcta apreciación entiendo que debo tomar en cuenta algunos elementos: La Observación me permite Examinar la composición, el color y la técnica. La Interpretación para comprender el mensaje o contexto del artista. Algo sumamente importante es conocer el Contexto, que es conocer el autor, la época y la corriente artística. Luego entonces he podido definir que con ello tendré una correcta y adecuada Evaluación para emitir un juicio de valor basado en el impacto emocional, que es la sugerencia principal de este ejercicio que estamos haciendo en esta materia.

¿Identificas repetición de temas o improvisación?

Es impresionante ver que las corrientes musicales por más que hayan tenido los exponentes influencia de sus predecesores, han creado composiciones diferentes, para sentir la influencia hay que ser un conocedor profesional de música, desde mi punto de vista, escuchar un artista y luego otro, se ve una marcada diferencia, por lo que hasta con la introducción a la composición ya se determina de qué artista se trata o quien ejecuta la nota.

¿La pieza progresa narrativamente o emocionalmente?

Johann Sebastian Bach en su composición Misa en Sí menor coordina una narrativa que toca emociones de inicio a fin, por lo que ésta al igual de otras piezas de otros autores, me doy cuenta que empieza con suavidad del viento y llega un punto de picada, donde exalta los sentidos o llega a un climax, es allí donde afloran las lágrimas y la ecuanimidad sufre este cambio repentino, inquieta, arrebata, desequilibra y causa sensaciones hasta peligrosa al exacerbar los nervios.

¿El ritmo es estable o variable?

En relación al mismo autor, Sebastian Bach, desde las composiciones escuchadas mantiene un ritmo más sosegado y tranquilo que la mayoría de los demás autores, esto lo apreciamos por ejemplo en las explosivas composiciones de Vivaldi, que en casi todas como en Las cuatro estaciones, tiene una explosividad muy marcada, exhibición de una impresionante forma de sacar al instrumento aquella genialidad que puede dar, aún sin saber de música todo ser humano es capaz de apreciar la sonoridad y ritmo contagioso de esta pieza musical con la que no hay espacio para el aburrimiento, por ello su gran notoriedad y uso de esta pieza de donde se han desprendido otros ritmos musicales, incluyendo los ritmos tropicales nuestros.

¿El tiempo genera tensión o relajación?

Antonio Vivaldi en Las cuatro estaciones, de Antonio Vivaldi es una obra maestra del Barroco diseñada para generar tanto tensión como relajación, dependiendo del movimiento y la estación que se esté escuchando. Vivaldi utiliza el contraste dramático —”altibajos”— para evocar la fuerza de la naturaleza y emociones humanas, alternando entre momentos intensos y escenas tranquilas.

¿Cómo influye el tempo en tu experiencia emocional?

Esta pregunta es interesante, pues el tempo determina la velocidad a la que se debe interpretar una pieza musical, uno de los elementos claves en la música, que influye directamente en cómo las personas perciben el ritmo, estableciendo el carácter y la energía de la composición. El tempo está directamente relacionado con el pulso musical y actúa como una especie de metrónomo interno que dirige la ejecución de cada compás, mientras los tiempos musicales ayudan a definir la estructura rítmica. Siguiendo con las Cuatro estaciones de Vivaldi es también la más magistral composición donde se ha usado de forma moderna lo que es el tempo, pues no se adueña de una nota interminable, sino que agiliza el ritmo con el tempo musical breve, dando agilidad a la música y levantando el ánimo del oyente.

¿Qué mundo cultural expresa esta música?

“Las Cuatro Estaciones” de Antonio Vivaldi (1723) expresa la cultura barroca italiana, caracterizada por la emoción, el contraste y la pasión por retratar la naturaleza. Es una obra maestra que mezcla la alta cultura artística con paisajes rurales, reflejando el ciclo de la vida, el renacer, el calor intenso y el invierno, todo inspirado por cuatro sonetos.

¿Refleja espiritualidad (barroco), subjetividad (romanticismo), resistencia (blues), modernidad (jazz)?

Tal como expresa la pregunta, la música del barroco está cargada de espiritualidad y religiosidad, pues para la época la música sacra era la corriente más impulsora de la música de aquella época, en la música y composiciones románticas, ciertamente es más personal la apreciación y la composición está dirigida a interiorizar emociones, está marcada por intereses, deseos, sensaciones y memorias individuales, lo que hace que cada persona perciba el entorno de forma particular; el blues representa la modernidad y es fundamental para entenderla, principalmente por ser la raíz de la música popular contemporánea y por su capacidad de evolución.

En cuanto al jazz es considerado también una de las expresiones más representativas de la modernidad, actuando tanto como banda sonora como símbolo de los cambios culturales del siglo XX. Surgido a finales del siglo XIX y consolidado en las primeras décadas del XX, el jazz encarnó los valores de una época marcada por la velocidad, la ruptura de normas y la búsqueda de nuevas formas de expresión. El jazz se asocia intrínsecamente con la libertad de expresión, la improvisación y la bohemia, rompiendo con las estructuras rígidas de la música clásica europea. El jazz fue, y sigue siendo, una forma de “terapia social” que rompe barreras y fomenta el diálogo intercultural, lo que lo convierte en una pieza fundamental de la modernidad cultural.

¿La música dialoga con problemas sociales?

Tuvimos desde siempre la música que aunque fuera instrumental ha hablado por sí misma. ¿Acaso no es un significado social los himnos de los países o aquellas gaitas que cantan el dolor de un amor que se ha ido, o la diana de un batallón? Así también, las luchas sociales tienen su contraparte musical que todos conocemos y sabemos porque forma parte de nuestra historia e identidad como pueblo.

La música actúa como un diálogo vibrante y constante con los problemas sociales, funcionando no solo como reflejo de la realidad, sino como una herramienta activa para la transformación, la resistencia y la cohesión social. A lo largo de la historia, diversas expresiones musicales han emergido de luchas, conflictos y desigualdades, sirviendo para denunciar la opresión y reconstruir el tejido social.

Muestra de ello, en República Dominicana tuvimos la muestra de los ritmos musicales que escudriñamos y expusimos en la conmemoración del 40 aniversario de “Siete Días con el Pueblo” fue una serie de actividades artísticas y culturales celebradas en la República Dominicana a finales de 2014, celebrando el histórico festival político-musical de 1974. Este evento conmemorativo incluyó conciertos en la Fortaleza Ozama, exposiciones y reconocimientos a artistas, recordó la lucha por la democracia y libertades durante la época de los 12 años de Balaguer. Este concierto estuvo enfocado en la canción social, de protesta y folclórica, con la participación de jóvenes artistas rindiendo homenaje a figuras históricas.

¿La música comunica sin palabras?

He escuchado composiciones musicales cantadas que me dejan vacío y piezas musicales sin voz que embargan mi corazón de sentimientos encontrados y gran complacencia en la apreciación musical, indiscutiblemente, el lenguaje musical va más allá de las palabras, la voz es linda, pero más linda es el sonido del viento y el vibrar de las cuerdas de un instrumento bien acariciado.

Diría que la música comunica más profundamente que las palabras, pues es un lenguaje universal que todos entienden, transmite emociones, narrativas y atmósferas directamente al oyente, cada quien se compenetra desde su acervo personal a través de melodías, ritmos y la armonía que apreciamos, indiscutiblemente expresa aquello que el lenguaje verbal humano a menudo no logra cubrir, conectando con zonas insondables de la conmoción estética y la experiencia humana.

¿Qué tipo de significado construye?

La música construye significados complejos, multimodales y subjetivos que van mucho más allá de las palabras, actuando principalmente a través de la emoción, el contexto cultural y la estructura sonora.

El significado emocional y evocativo, o seaevoca sentimientos, estados de ánimo (tristeza, alegría, nostalgia) y catarsis, sirviendo como vía de expresión personal; expresa acervo cultural e identitario,valores e identifica la forma de vida de un pueblo, región o país, sin lugar a dudas, crea cohesión social, expresa la pertenencia a una comunidad específica que adquiere ciertos parámetros musicales costumbrista o históricos que les hacen únicos, como por ejemplo nosotros el Perico Ripiao o Merengue, o Mangulina o Palos….

La música con letra o en bandas sonoras, construye narraciones históricas, como los famosos corridos mexicanos, los cuales apoyan secuencias visuales, creando atmósferas específicas, como la intimidad en un restaurante o la emoción en el cine.

Se construye un significado estructural o formal, según posturas más formalistas, se adentra en sus propios elementos (ritmo, melodía, armonía), refiriéndose solo a su propia estructura. Tiene una comunicación formal,actúa como un lenguaje universal que trasciende barreras idiomáticas para conectar personas y es utilizado funcionalmente en la publicidad, la religión y el desarrollo social.

¿Es representativa (narra algo) o abstracta?

Quiero hacer esta observación en relación a Vivaldi y la obra que le representa, la más famosa de su autoría, Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi es principalmente una obra representativa o, en términos musicales más precisos, un ejemplo temprano y fundamental de música programática o descriptiva. La obra no es abstracta.

Vivaldi utiliza los instrumentos para evocar paisajes, sonidos y sensaciones específicas de la naturaleza y la vida cotidiana en cada época del año. Cada uno de los cuatro conciertos está acompañado por un soneto. Estos sonetos describen estaciones del año, tales como Primavera: El canto de los pájaros, el murmullo de arroyos y tormentas repentinas. Verano: El calor sofocante, el cuco, la tórtola y la feroz tormenta final. Otoño: Danzas de campesinos, la embriaguez, y escenas de caza con ladridos de perros e Invierno: El frío helado, dientes castañeando, lluvia y patinadores sobre el hielo.

¿Fue una experiencia transformadora o meramente estética?

Mi experiencia me dan ambos resultados, en muchas de estas composiciones hay un trasfondo espiritual valioso y que transporta a una placidez del alma, a un transportarse a la época de la niñez, como me ocurrió en muchas de estas composiciones o a momentos de mucha alegría y paz e incluso a la euforia de momentos de la juventud sobre un potro salvaje o saltos en el aire en mis prácticas de gimnasia… cosas así, todo estuvo matizado de forma personal por la composición musical, el instrumento fue algo muy importante, desde mi punto de vista, no puedo decir que un instrumento tuvo trascendencia porque eso se lo dejo al genio que tocó el instrumento, por lo cual se me hace imposible decir que un instrumento es mejor que otro o que un instrumento crea dimensiones espirituales y otro no.

¿Cambió tu estado interior?

Si al escuchar una pieza musical de esta selección, no se adquiere un cambio interior, entonces debemos visitar un profesional de la conducta, porque en vez de un cuerpo sensible, en nosotros tenemos una roca en el lugar donde debería haber un corazón.

OPERA

La ópera es un arte escénico integral que fusiona teatro, música orquestal, canto técnico, literatura y artes visuales, narrando historias dramáticas intensas. Sus cualidades principales incluyen la actuación vocal expresiva, el uso de arias y recitativos, una escenografía elaborada y la capacidad de transmitir emociones profundas a través de la voz humana sin amplificación

EM2. Selecciona una de estas grandes obras de la Ópera:

• La Traviata – Giuseppe Verdi
  Drama romántico sobre amor, sacrificio y sociedad.
• La flauta mágica (Die Zauberflöte) – Wolfgang Amadeus Mozart
  Alegoría simbólica entre razón, luz y oscuridad.
• Carmen – Georges Bizet
  Pasión, libertad y destino trágico.
• Las bodas de Fígaro – Wolfgang Amadeus Mozart
  Crítica social y comedia brillante.
• Madama Butterfly – Giacomo Puccini
  Amor, abandono y choque cultural.
• Aida – Giuseppe Verdi
  Amor imposible en un contexto épico.
• El barbero de Sevilla – Gioachino Rossini
  Ópera bufa, humor y virtuosismo vocal.
• Tristán e Isolda – Richard Wagner
  Amor absoluto, deseo y trascendencia.
• Rigoletto – Giuseppe Verdi
  Poder, corrupción y tragedia humana.
• Tosca – Giacomo Puccini
  Pasión, política y drama intenso.

Luego de disfrutar la obra investiga los aspectos técnicos y completa las reflexiones a continuación.

LA TRAVIATA

Biografía del autor

Giuseppe Verdi (1813–1901) fue el compositor italiano de ópera más influyente del siglo XIX, romántico y pilar del realismo escénico. Nacido en una familia humilde, triunfó con Nabucco (1842) y creó obras maestras como Rigoletto, La traviata y Aida, fusionando intensa pasión dramática con la tradición vocal italiana. Nació el 9 o 10 de octubre de 1813 en Le Roncole, cerca de Busseto (Parma), entonces parte del Imperio Francés. De familia humilde, comenzó a estudiar órgano a los 7 años y composición con Ferdinando Provesi en Busseto. A los 20 años se trasladó a Milán, donde el Conservatorio lo rechazó, pero continuó sus estudios privadamente. Se casó con Margherita Barezzi en 1836, con quien tuvo dos hijos antes de que la tragedia golpeara a la familia.  Su primera ópera, Oberto, se estrenó con éxito en La Scala de Milán en 1839. Nabucco (1842) lo catapultó a la fama, convirtiéndose en un símbolo del nacionalismo italiano con el famoso coro «Va pensiero». Durante la mitad del siglo XIX, compuso sus obras más populares: Rigoletto (1851), Il trovatore (1853) y La traviata (1853), redefiniendo el drama musical.

Estilo y Últimos Años

            Aunque no un revolucionario radical, Verdi renovó la ópera tradicional italiana, buscando un realismo dramático superior a las convenciones de su época. En sus años maduros, compuso obras como Aida (1871) y la célebre Misa de Réquiem (1874). Verdi murió en Milán el 27 de enero de 1901, siendo considerado el titán de la ópera italiana.

Contexto Social, datos curiosos

            Giuseppe Verdi la compuso como una crítica directa a la hipocresía de la sociedad parisina de mediados del siglo XIX. La ópera retrata un mundo marcado por las apariencias, la rigidez moral de la burguesía y la marginación de quienes no siguen sus normas.

Estructura, tema y trama que se desarrollan en la misma

            La Traviata (1853), ópera de Giuseppe Verdi, es una trágica historia de amor ambientada en París. Narra cómo la cortesana Violetta Valéry renuncia a su vida de lujos y a su amor verdadero, Alfredo Germont, por presión social y familiar, sacrificándose finalmente al morir de tuberculosis, sola pero tras haberse reconciliado con él.

4. ¿Qué elementos sensoriales dominan la experiencia? (voz, orquesta, escenografía, iluminación, vestuario).

Es una ópera que inunda los sentidos, diseñada para conectar con el drama interior de Violetta Valéry a través de una intensa experiencia auditiva y visual. Los elementos sensoriales principales se centran en el contraste entre el lujo superficial y la fragilidad de la vida. Violetta es una soprano de coloratura dramática (aguda, flexible, con tonos oscuros), Alfredo es un tenor lírico (cálido, brillante) y Germont es un barítono lírico (dulce, de tono medio), creando texturas sonoras que reflejan la psicología de cada personaje. Uso de la segunda menor descendente (figura de suspiro) y cromatismo melódico/armónico para simbolizar el sufrimiento y la enfermedad. Pasajes festivos y enérgicos (como el famoso brindis «Libiamo ne’ lieti calici») contrapuestos con momentos íntimos, silenciosos y trágicos (preludios del Acto I y III). La orquesta subraya el dolor con cuerdas agudas, mientras que en el tercer acto se escuchan bulliciosos parranderos fuera de escena (mardi gras), creando una sensación de aislamiento para la protagonista.

1. ¿Cómo se relacionan sonido e imagen en la construcción de la atmósfera?

            La construcción de la atmósfera en La Traviata de Giuseppe Verdi es un ejemplo magistral de la sinestesia operística, donde la relación sonido-imagen es fundamental para contrastar la frivolidad cortesana con la tragedia íntima de Violetta Valéry. La música no solo acompaña, sino que define el espacio escénico y psicológico.

            Verdi utiliza la orquesta y las voces para crear ambientes específicos que la puesta en escena. En el Acto I, la orquesta crea una atmósfera vibrante con valses y ritmos de danza, representando la fiesta y la decadencia parisina. Esto contrasta drásticamente con la fragilidad de la música cuando Violetta se queda sola, reflejando su enfermedad.

• ¿Qué momentos generan mayor intensidad sensorial?

            Desde mi apreciación, el ambiente íntimo y tierno de la casa de campo en el Acto II se logra con una instrumentación más suave, contrapuesta a la imagen de opulencia de París. en el brindis “Libiamo ne’ lieti calici” (Acto I): Un momento de alta energía, color y celebración que introduce la vida fiestera de París. El dúo Violetta-Germont (Acto II): Este momento de gran tensión dramática, donde ella acepta sacrificar su felicidad, suele interpretarse con un contraste emocional intenso.

“¡Amami, Alfredo!” (Acto II): Un momento musicalmente intenso y apasionado donde Violetta expresa su profundo amor y desesperación antes de abandonar a Alfredo. La escena de la fiesta en casa de Flora (Acto II): La confrontación donde Alfredo lanza dinero sobre Violetta genera una gran carga de rabia, dolor y humillación y El Preludio al Acto III: Una pieza orquestal íntima y melancólica que prepara al público para el desenlace trágico, con un sonido que evoca la soledad y la enfermedad.

• ¿Existen momentos de catarsis? ¿Dónde y por qué?

            Los momentos más intensos de catarsis, donde la música y el drama se funden para liberar emociones intensas, son:

• Acto I: “Ah, fors’è lui” / “Sempre libera”
  • Tras la fiesta, Violetta reflexiona sobre la posibilidad de un amor verdadero (“Ah, fors’è lui”), para luego intentar convencerse de seguir su vida licenciosa (“Sempre libera”). Este contraste entre la esperanza de amor y el miedo a la vulnerabilidad, marcado por el virtuosismo vocal, es una catarsis inicial de lucha interna.

• Acto II: El Dúo Violetta-Germont (“Pura siccome un angelo”)
  • Este es, para muchos, el pico dramático de la ópera. La confrontación entre Violetta y Giorgio Germont, padre de Alfredo, donde ella acepta sacrificar su felicidad y abandonar a su amor para salvar el honor de la familia Germont, genera una enorme empatía y dolor en el espectador.

• Acto II: La Escena del Juego (Final del Acto)
  • Alfredo humilla públicamente a Violetta en la fiesta de Flora tras ella haberle ocultado la verdad de su partida. El coro y los personajes se unen en un momento de tensión insoportable (“Ogni suo aver tal femmina”), culminando en la denuncia de Germont hacia su hijo y el desmayo de Violetta.

• Acto III: “Addio del passato”
  • En su lecho de muerte, Violetta canta esta aria despidiéndose de su vida, su amor y sus sueños. Es un momento de catarsis pura, de aceptación trágica, lleno de compasión y melancolía que muestra la fragilidad humana.

¿La ópera imita la realidad o la transforma?

            La ópera de Giuseppe Verdi opino que imita la realidad para transformarla. El uso de elementos del realismo literario para denunciar las hipocresías sociales de su tiempo. Aunque se basa en una historia real y contemporánea, transforma esa realidad mediante la intensificación dramática y musical para convertir un escándalo social en una tragedia universal. La obra, como sabemos, se basa en la vida de Marie Duplessis, una cortesana parisina famosa que murió joven de tuberculosis, y en la novela/obra de teatro La dama de las camelias de Alexandre Dumas hijo.

¿La actuación busca realismo o simbolismo?

            A diferencia de las óperas de la época que trataban sobre mitos o historia antigua, Verdi insistió en poner en escena la “nueva realidad” de mediados del siglo XIX: el París moderno, con sus lujos, hipocresías, enfermedades (tuberculosis) y cortesanas. busca fundamentalmente el realismo psicológico y dramático, alejándose de las convenciones operísticas de su época para enfocarse en la verdad emocional de los personajes. Aunque se estrenó en 1853, Verdi exigió una ambientación contemporánea para reflejar una historia de amor, sacrificio y enfermedad creíble, lejos de dioses o reyes.

¿La experiencia fue bella, sublime, trágica o perturbadora?

Diría que es una experiencia que combina todos los elementos mencionados —bella, sublime y trágica—, siendo considerada una obra maestra absoluta del repertorio operístico. Bella porque la música de Verdi, llena de melodías memorables como el famoso brindis «Libiamo ne’ lieti calici» y arias conmovedoras, es una de las más bellas y accesibles del género, lo que la hace perfecta incluso para quienes se inician en la ópera.

Llega a lo sublime cuando el viaje emocional de Violetta Valéry, de cortesana frívola a una mujer sacrificada por amor, junto con la intensidad dramática de la orquesta, crea momentos de gran impacto emocional que elevan la experiencia artística. Se torna trágica poque es una historia de amor, sacrificio y muerte, basada en «La dama de las camelias» de Alejandro Dumas (hijo). El espectador presencia el declive físico de la protagonista a causa de la tuberculosis y su muerte final por amor y presión social y algo por lo cual se torna también perturbadora (o conmovedora) es que la ópera critica la hipocresía social de la época, mostrando cómo la sociedad y la familia (a través de Giorgio Germont) condenan a Violetta, lo cual puede resultar perturbador por la vigencia de sus temas de juicio moral y desigualdad

¿Hay momentos que superan la simple belleza y producen algo más profundo?

            El despliegue de sentimientos en la obra de principio a fin en medio de la frivolidad del momento y de la época, cómo se manejan las situaciones en el drama, nos hace ver que en la ópera hay elementos unidos que son inseparables en la obra, como es el transportar el que aprecia a una época, unas voces bien seleccionadas, una trama bien orquestada, un argumento sin desperdicio y el colorido en el escenario dan cuenta de una belleza sin igual para una obra de esta naturaleza, donde va más de la exhibición de una prodigiosa voz.

• Reflexión Personal: ¿Qué cambió en tu percepción después de verla? ¿Fue una experiencia estética transformadora o simplemente entretenida? ¿Qué aprendiste sobre tu propia sensibilidad?

Con la pregunta anterior, no es necesario conocer más sobre mi percepción de la obra, esto que acabo de experimentar definitivamente me dio la oportunidad de ver que la ópera no es lo que entendía antes de La Traviata de Verdi, de verdad quedé impregnado de un sabor a gloria. No es que fuera una experiencia entretenida, es más que eso, porque el sabor de momentos impactantes va más allá del simple entretenimiento, es un bello espectáculo, es un recuerdo, es una experiencia y los sentimientos encontrados dejan sensibilizada el alma con el apremio de un amor que es tan grande que sobrepasa todo entendimiento.

EJERCICIOS MÓDULO TEATRO

ET1. En este primer ejercicio de apreciación teatral, el ejercicio consistirá en leer una de las obras sugeridas en la lista de recursos y desarrollar un análisis sobre los siguientes aspectos:

ANTÍGONA – DE SÓFOCLES

1. ¿En qué momento histórico fue escrita la obra? ¿Qué conflictos sociales, políticos o religiosos influyen en su contenido?

            Antígona, tragedia de Sófocles, narra el conflicto ético entre las leyes humanas y divinas. Antígona desafía al rey Creonte al enterrar a su hermano Polinices, traidor de la patria. Como castigo, es sepultada viva, provocando una reacción en cadena de suicidios (Antígona, Hemón y Eurídice) que destruye a la familia de Creonte. El conflicto de la obra consiste en que tras la guerra civil, Creonte ordena enterrar a Eteocles con honores, pero dejar a Polinices insepulto.

            En la obra la acción se da cuando Antígona desafía el decreto para seguir las “leyes divinas”. De ahí la sentencia de Creonte que condena a Antígona, su sobrina y prometida de su hijo Hemón, a ser enterrada viva. El desenlace trágico se da cuando Antígona se suicida. Hemón, hijo de Creonte, se suicida por el dolor. Eurídice, esposa de Creonte, se suicida al conocer la muerte de su hijo. El tema es que esta situación enfrenta la obediencia civil (Creonte) frente a la libertad de conciencia y el deber familiar (Antígona).

• Luego de leer la biografía del autor reflexiona sobre ¿Qué aspectos de la vida del autor influyen en la temática o los personajes? y si ¿Existe alguna relación entre la experiencia personal del dramaturgo y el conflicto central?

            Sófocles nació en Colono, un pueblo limítrofe a Atenas, hacia el año 496 a.C. en el seno de una familia pudiente. Su padre, Sofilo, era un armero que le ofreció la oportunidad de recibir la denominada como educación ateniense, la cual atendía con suma importancia tanto al cuerpo como a la mente. En este sentido, el joven Sófocles se inclinó por la danza y la música, también por la gimnasia.

A los 16 años pasó a dirigir un coro en el que sus integrantes cantaban a los dioses durante la batalla de Salamina. Conflicto que vincula a tres de los grandes poetas griegos pues, en el año 480 a. C., no solo tenía lugar la batalla, sino que Esquilo participaba en ella y también nace Eurípides.

Se cree que entorno al año 480 a.C. Sófocles ya había empezado su trayectoria literaria. Sin embargo, fue durante la celebración de las dionisias en el año 468 a.C, un festival entorno al dios Dionisio donde tenían lugar diferentes representaciones dramáticas, donde se dio a conocer al derrotar a Esquilo en el concurso. Recompensa que le llevó a tener notoriedad como poeta trágico.

Sófocles vivió en un contexto glorioso, durante los años de grandeza de Atenas, y su muerte, aproximadamente en el año 405 a. C., coincide con el declive y la ruina ateniense la cual le impidió presenciar la derrota.

            Por los aspectos antes dicho, debemos decir que Sófocles fue un autor de origen griego y uno de los mayores poetas clásicos de la antigüedad. Aunque no existen muchos datos referentes a su bibliografía, de él se conservan obras que siguen representándose hoy día a nivel mundial. Al autor se le asigna una extensa producción literaria, pero del más del centenar de tragedias que pudo dejar como legado, solo siete obras se mantienen completas en la actualidad. Asimismo, contribuyó al teatro de la época e introdujo elementos que vinieron a enriquecer y transformar el género.

• ¿Cómo está organizada la obra? (actos, escenas, unidad de tiempo, espacio, acción) ¿Responde a una estructura clásica (tragedia, comedia, drama moderno)?

La estructura dramática se compone de las siguientes partes principales:

• Prólogo (vs. 1-99): Introduce el conflicto. Antígona comunica a su hermana Ismene su intención de desobedecer el decreto de Creonte y enterrar a su hermano Polinices.
• Párodos (Canto de entrada del Coro): El Coro de ancianos tebanos canta la llegada de la luz tras la guerra y el triunfo sobre Polinices.
• Episodios (5 episodios): Son las escenas donde los personajes dialogan, intercaladas con los cantos del coro.
  • Primer Episodio: Creonte anuncia su decreto de no enterrar a Polinices; un centinela informa que alguien desobedeció.
  • Segundo Episodio: Antígona es capturada enterrando a su hermano y enfrenta a Creonte.
  • Tercer Episodio: Confrontación entre Creonte y su hijo Hemón (prometido de Antígona) sobre la sentencia de ella.
  • Cuarto Episodio: Antígona es conducida a su tumba, lamentando su destino.
  • Quinto Episodio: El adivino Tiresias advierte a Creonte que los dioses están furiosos.
• Estásimos: Cantos del coro que ocurren entre los episodios, reflexionando sobre la acción.
• Éxodo (Escena final): Se desencadena el desenlace trágico: suicidio de Antígona, seguido por el de Hemón y la esposa de Creonte, dejando a este último arrepentido.
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• ¿Cuál es el conflicto central? ¿Es un conflicto interno (psicológico) o externo (social, político, moral)? ¿Cómo evoluciona a lo largo de la obra?

            Esta obra gira en torno a Antígona, la hija de Edipo y Yocasta. Asimismo, es hermana de Ismene, Eteocles y Polinices. Tras la muerte de Eteocles y Polinices, en su disputa por el poder, Creonte se convierte en rey de Tebas, el cual prohíbe que Polinices sea enterrado. Sin embargo, Antígona decide no acatar sus órdenes y entierra a su hermano. Después de este suceso, Creonte exige la muerte de Antígona y esta es enterrada viva. Finalmente, el rey termina arrepentido por su decisión.

• ¿Los personajes son arquetípicos, simbólicos o psicológicamente complejos? ¿Cómo se construye su identidad a través del diálogo? ¿Hay héroe trágico, antihéroe o figura colectiva?

La obra se enfoca en el enfrentamiento entre la ley divina (defendida por Antígona) y la ley civil/autoridad del Estado (defendida por Creonte). Los personajes de Antígona de Sófocles son una combinación única de elementos arquetípicos y simbólicos, con una profundidad psicológica que los hace humanos y no meras caricaturas. Los personajes son arquetipos trágicos definidos por su obstinación, su lealtad a valores opuestos y la inevitabilidad de su destino. La obra presenta un conflicto entre dos figuras principales que pueden ser consideradas héroes trágicos, junto con una figura colectiva fundamental.

El diálogo en Antígona de Sófocles es intenso, argumentativo y cargado de tensión trágica, funcionando como el campo de batalla ideológico entre la ley divina (Antígona) y la ley humana/estatal (Creonte). Se caracteriza por confrontaciones directas, debates retóricos sobre el poder y la moral, y el uso del stichomythia (diálogo rápido verso a verso).

            Podemos mencionar por ejemplo los personajes de Antígona que es la protagonista y la heroína trágica que se guía por las leyes divinas y el amor familiar. Su objetivo es dar sepultura a su hermano Polinices, desafiando el decreto de Creonte. Su defecto fatal es su terquedad y orgullo (hibris), al igual que su tío, lo que la lleva a la soledad y al suicidio. Creonte: Es el antagonista y rey de Tebas, también considerado un héroe trágico. Su objetivo es mantener el orden político y la ley humana tras la guerra. Su error fatal es su soberbia (hibris) y su negativa a ceder, lo que le lleva a la ruina personal: la muerte de su hijo Hemón, su esposa Eurídice y su deshonra.

Antihéroe o Figuras en Conflicto

      Aunque no hay un “antihéroe” en el sentido moderno (alguien carente de virtudes heroicas), hay personajes que contrastan con la determinación de los protagonistas: Ismene (Hija de Edipo/Hermana de Antígona): Actúa como el contrapunto de Antígona. Es dócil, temerosa de la autoridad y sumisa a las leyes humanas, representando la postura de la mujer tradicional que no desafía el poder. Hemón (Hijo de Creonte/Prometido de Antígona): Es un personaje equilibrado que intenta mediar entre la ley de su padre y la justicia divina de Antígona. Representa la razón y el amor, pero su intento falla y se suicida por el amor a ella.

• ¿Qué tipo de lenguaje predomina? (poético, simbólico, realista, coloquial) ¿El texto utiliza metáforas, ironía, símbolos?

            El lenguaje en Antígona de Sófocles es elevado, poético y trágico, caracterizado por su alta intensidad dramática, el uso de repeticiones retóricas para enfatizar el conflicto y un tono solemne adecuado para la tragedia griega. Se distingue por el debate intenso y dialéctico, reflejando el choque moral entre la ley humana (Creonte) y la ley divina (Antígona).

• ¿La obra genera catarsis, reflexión, incomodidad o identificación? ¿Qué emociones predominan en tu experiencia como lector/espectador?

            Efectivamente, genera catarsis, reflexión, incomodidad e identificación simultáneamente. Su impacto radica en la contraposición de dos fuerzas innegociables: la ley del Estado (Creonte) y la ley divina o familiar (Antígona).

            Como espectador o lector, la obra deja un sabor a impotencia, una aplastante impresión de constreñimiento e imposiciones odiosas donde se definen la debilidad y el poder y se aprecia en mis sensaciones, la lucha de Antígona como una ciudadana que enfrenta un poder estatal desmedido y opresor. La lealtad incondicional de Antígona hacia su familia, incluso más allá de la muerte, es un valor universalmente reconocible.

• ¿La obra critica estructuras sociales o valores dominantes? ¿Su mensaje sigue vigente hoy? ¿Cómo dialoga con problemáticas contemporáneas?

            Precisamente cuando sopesamos la aplastante situación vivida por el personaje principal de la obra y reemplazamos a Creonte quien es el antagonista, en su intención cimera que es mantener el orden, lo que puede provocar una identificación compleja en quien entiende la necesidad de la ley cívica, a pesar de sus brutales consecuencias, pienso en las imposiciones sociales hoy en que luchamos con leyes aberrantes e injustas y donde creemos y confiamos en un poder que nos aplasta con sus botas sucias de corrupción e impunidad.

• ¿Qué aspecto de la obra te impactó más y por qué? ¿Te identificas con algún personaje o conflicto? ¿Consideras que la obra es “bella”, “trágica”, “sublime” o “perturbadora”? Justifica tu respuesta.

Antígona es en verdad una obra maestra imperecedera porque logra un equilibrio perfecto entre conmover (catarsis), hacer pensar (reflexión), tensionar (incomodidad) y conectar (identificación) con el espectador, independientemente de la época en la que se representa. Me identifico con el personaje principal porque me creo con los mismos sentimientos y forma de ser, cuando Antígona es capturada enterrando a su hermano y enfrenta a Creonte, creo un yo que no se sabe quedar mudo o sin acción frente a leyes absurdas. La obra, como dije tiene todos los aspectos sugeridos, bella, trágica ¿por qué tantas muertes, me he preguntado? Es sublime por lo que conozco de la obra, el lenguaje, la trama, el incluir una base teológica junto a un imperio terrenal y un núcleo familiar… impresionante. Lo perturbador de la obra es lo mencionado, llegar a la muerte para expresar un desacuerdo, pero no está tan lejos de la realidad, nuestros tiempos actuales tiene claros ejemplos de hechos similares.  

ET2. En este foro veremos teatro a partir de adaptaciones cinematográficas que han realizado de obras de distintos momentos de la historia. Para el ejercicio deberán escoger DOS de las siguientes obras y desarrollar la reflexión comparando una con otra.

• Romeo y Julieta (1996) escrita por William Shakespeare (1597)
• Casa de Muñecas (2002) escrita por Henrik Ibsen (1897)
• Un Tranvía llamado Deseo (1954) escrita por Tenesse Williams (1947)
• Macbeth (2015) escrita por William Shakespeare (1623)
• El Fantasma de la Ópera (2004) escrita por Gastón Leroux (1910)

ROMEO Y JULIETA

            Las obras que escojo son Romeo y Julieta de William Shakespeare (c. 1595). Y El Fantasma de la Ópera (2004) escrita por Gastón Leroux (1910).

Luego de escogidas y vistas las obras participa en este foro respondiendo lo siguiente:

¿A qué período de la historia del teatro pertenece la obra apreciada?

            Romeo y Julieta (1996) escrita por William Shakespeare (1597), se enmarca principalmente en el Renacimiento inglés (o época isabelina), aunque sus elementos pasionales y la mezcla de comedia y tragedia adelantan rasgos del Barroco. Es una tragedia que, a diferencia de otras obras más maduras del autor, destaca por un tono lírico y lírico-experimental.

            “Romeo y Julieta”, la trágica historia de amor de William Shakespeare, es una de las obras más adaptadas al cine, destacando las versiones clásicas de 1936 (George Cukor) y 1968 (Franco Zeffirelli), junto con la moderna y estilizada “Romeo + Julieta” (1996) de Baz Luhrmann, protagonizada por Leonardo DiCaprio y Claire Danes.

¿Cuáles características del contexto sociocultural en que se escribió la obra se manifiestan allí?

            En el caso de la adaptación de la obra El Fantasma de la Opera a la película de 2004, “El Fantasma de la Ópera” (The Phantom of the Opera), dirigida por Joel Schumacher, es una adaptación musical del clásico de Gaston Leroux. Protagonizada por Gerard Butler (El Fantasma), Emmy Rossum (Christine) y Patrick Wilson (Raoul), la cinta se enfoca en el romance, la obsesión y el misterio en el París de 1870.

¿El espacio sigue siendo simbólico como en el teatro o se vuelve realista?      

            Hay mayor realismo visual y emocional. El cine permite salir del escenario teatral y mostrar Verona (o su versión moderna) con neones, violencia caótica, armas de fuego y amor adolescente intenso, haciendo la trama más tangible y visceral.

            La película Romeo + Julieta de 1996 convierte las espadas en pistolas y las familias nobles en imperios mafiosos, reflejando un entorno violento y caótico más reconocible para la audiencia actual. Al ubicar la historia en una “Verona Beach” contemporánea, con neones y medios de comunicación, se intensifica la sensación de una sociedad corrupta que rodea a los amantes. El uso de primeros planos permite a los actores Leonardo DiCaprio y Claire Danes transmitir la inmediatez y la locura del amor adolescente de una manera más íntima que en el teatro.

¿Se rompe la unidad clásica de tiempo y lugar?

            Sí, se rompe la unidad clásica de tiempo y lugar. El cine potencia esto. Aunque la obra original sucede casi totalmente en Verona, el cine la traslada a escenarios como Ciudad de México y Boca del Río, Veracruz (para la versión de 1996).

            El cine maneja el montaje y los ritmos de forma diferente al teatro, lo que intensifica el sentido de urgencia y la rapidez con la que se desarrollan los hechos, rompiendo la unidad de tiempo.

            Ruptura de las Unidades Clásicas: El teatro isabelino, incluyendo a Shakespeare, solía romper las normas aristotélicas de tiempo y lugar.

¿La adaptación respeta la época original o la actualiza?

            Romeo y Julieta (1968) – Zeffirelli: Fiel al texto, pero realista en su ambientación y juventud de los actores.

            Romeo + Julieta (1996) – Luhrmann: Una reinterpretación moderna que utiliza el texto original en un entorno contemporáneo (armas, videoclips, neones).

            En conclusión, el cine toma la esencia trágica de la obra y, mediante la cámara y la escenografía, transforma el espacio y el tiempo para hacer la historia más inmersiva, a menudo situándola en contextos contemporáneos que desobedecen las restricciones del teatro clásico

Si se traslada a otro contexto histórico, ¿qué cambia en el sentido de la obra?

      La versión de Baz Luhrmann de 1996 reinventó Verona como una metrópoli moderna y tropical, llenando de contrastes religiosos y modernos el entorno de los jóvenes.  Realismo en Casting: Zeffirelli en 1968 fue pionero al utilizar actores adolescentes (Leonard Whiting y Olivia Hussey) para aportar autenticidad y frescura al romance.

¿La versión cinematográfica enfatiza temas contemporáneos (género, poder, política)?

Esta representación visual de la violencia, la intensidad de las actuaciones y, en adaptaciones modernas, la actualización del contexto social. Mientras que la obra de teatro original depende de la palabra y las convenciones escénicas, el cine utiliza el lenguaje audiovisual para enfatizar la pasión adolescente y el odio familiar.

¿El cine genera mayor identificación o mayor distancia crítica?

En términos generales, la teoría del arte y la estética suelen situar al cine como una herramienta que facilita una mayor identificación emocional, mientras que el teatro, debido a su naturaleza en vivo, puede favorecer una mayor distancia crítica, aunque ambos pueden generar ambos efectos dependiendo de la puesta en escena.

¿La adaptación logra mantener la dimensión trágica, poética o simbólica del texto?

Por qué el Cine genera mayor Identificación:

• Realismo y Primeros Planos: La cámara permite acercarse al rostro del actor, captando microexpresiones que generan una conexión íntima y directa con las emociones del personaje.

• Inmersión y Montaje: El cine manipula el tiempo y el espacio a través del montaje, sumergiendo al espectador en la narrativa y “atrapándolo” en la historia.

• Humanidad mediatizada: A diferencia del teatro, el cine elimina la barrera física directa (la cuarta pared) y permite escenas de gran intimidad que se sienten más reales para el espectador.

1. ¿Consideras que la situación problemática podría dejar una moraleja en el contexto actual? ¿Qué tipo de aprendizajes puede inducir? ¿Qué aspecto de la obra te impactó más y por qué?

Características de la obra:

• Amor y Muerte: Explora la intensidad del amor apasionado e intempestivo que choca contra el odio familiar.
• Lirismo: Utiliza intensamente formas poéticas como el soneto.
• Destino y Azar: La obra presenta la fatalidad de los amantes (amantes desafortunados o star-crossed lovers).

Temas Principales: El amor prohibido, el conflicto generacional, el odio arraigado y la impetuosidad de la juventud.

EJERCICIOS MÓDULO CINE

EC1. En este primer ejercicio trabajaremos sobre el Lenguaje Cinematográfico. Para ello, deberás escoger una obra película de tu preferencia (cuenta por igual si ya la has visto o no) e identifica los siguientes aspectos:  La película elegida es Casablanca (1942).

1.- Describe el espacio, tiempo y ritmo fílmico en que suceden los acontecimientos considerando lo siguiente: ¿Es un espacio abierto o cerrado? ¿Es realista o simbólico? ¿Predomina lo urbano, lo natural, lo doméstico? ¿El espacio condiciona emocionalmente al personaje? ¿Hay contraste entre espacios (interior/exterior, luz/oscuridad)? Sobre el Tiempo fílmico señala: ¿La narración es lineal o fragmentada? ¿Hay flashbacks o saltos temporales? ¿El tiempo es acelerado o contemplativo? ¿La película manipula la duración para crear tensión?

            Esta película dirigida por Michael Curtiz en 1942, Casablanca es una obra maestra del cine de romance y espionaje. Ambientada en Marruecos durante la Segunda Guerra Mundial, narra el dilema de Rick Blaine (Humphrey Bogart), un cínico expatriado que debe elegir entre su amor por Ilsa Lund (Ingrid Bergman) o ayudar a su esposo, un líder de la resistencia, a escapar de los nazis. Toda la película se desenvuelve en un espacio cerrado, es una película realista en toda su trama, se dan los acontecimientos en un centro nocturno, lugar de diversión, casino, retrata el ambiente de estos tipos de lugares y las manifestaciones y acciones propias que se viven en estos centros, como por ejemplo retrata cómo se manejan los juegos de azar, cómo se manipulan las ganancias e incluso cómo las prohibiciones no son tan prohibidas cuando hay acuerdos bajo las mesas, la película está realizada en un ambiente cargado de acechanzas y un lenguaje ágil pero cargado de desvaríos. La escenografía entra en la categoría de cine negro, primero por la procedencia de los personajes, del bajo mundo con una presencia militar y luego por las escenas en lugares oscuros, apartados, el uso de siluetas hasta la vestimenta formal. Se puede apreciar personajes complejos y dilemas sociales o históricos subyacente en la película que impulsa al espectador a conocer la época y acontecimientos en que se desenvuelve la historia.

La duración de la película (Tiempo de proyección), tiene una duración exacta de 102 minutos (1 hora y 42 minutos). En cuanto al tiempo de la historia (Tiempo diegético): Los eventos principales de la trama ocurren en un lapso muy corto, concentrándose en apenas unas 50 a 60 horas. La historia transcurre fundamentalmente entre la mañana del 2 de diciembre y la noche del 4 de diciembre de 1941, justo antes del ataque a Pearl Harbor. Aunque se puede apreciar flashbacks para reforzar la historia y conocer la razón y motivos de las acciones.

En Casablanca, el tiempo es fundamentalmente contemplativo en su exploración del trauma y la memoria, pero se vuelve acelerado y urgente en la resolución de su trama. La película manipula la duración y el montaje de manera magistral para construir tensión. “Casablanca” es una historia de amor, aunque muchas veces se ha señalado su metáfora política donde cada personaje representa una parte de la contienda.

– Comenta sobre la escala real (planos) y la escala óptica (ángulos) haciendo capturas de tres momentos por cada una en que puedas identificar tres tipos de planos y tres ángulos y comenta sobre la posible intencionalidad en relación a la trama.

            Me llamó la atención cuando Ilsa fue a parar al café de Ricky y se encontraría con Sam y se llevaría la sorpresa de su vida: -Tócala otra vez, Sam- Afirma la leyenda que ella dijo: Aunque no fuera precisamente así. Y Sam tuvo que romper la promesa. Su rostro era una mezcla de emociones. Ilsa conocía de memoria aquella melodía. Allí como en muchas escenas de la película se usó con más frecuencia el Primer Plano, Plano Medio y Primerísimo Primer Plano haciendo la historia más personal, pues el fuerte de la argumentación es una relación amorosa.

– Identifica la escala cromática predominante en la película y describe la función y simbología que manifiesta partiendo de la psicología del color.

            La película clásica Casablanca (1942) no utiliza una escala cromática de colores, ya que fue filmada íntegramente en blanco y negro. Su paleta visual se compone exclusivamente de una escala de grises, sombras intensas y blancos puros.

– Por último, a modo de conclusión comenta brevemente en qué medida consideras que el lenguaje cinematográfico le aporta o no al contenido de la película.

            En la película Casablanca, los personajes emplean un lenguaje cinematográfico clásico, formal y cargado de dobles sentidos. En la película se toma en cuenta la procedencia de los personajes, que para esa época eran refugiados de toda Europa, los actores simulan diversos acentos (francés, alemán, estadounidense) para dar realismo a sus orígenes internacionales.

EC2. En esta ocasión trabajaremos sobre las corrientes históricas que han modelado la evolución del cine. Como parte del ejercicio podrás escoger para ver al menos dos de las siguientes películas:

2.  La naranja mecánica (1967) https://vimeo.com/140521303

3.  A bout the soufflé https://vimeo.com/601630440

4.  Amélie (2001) https://gnula.nu/search/Amelie/

5.  El gabinete del Dr Calligari

6.  Ciudadano Kane (1940)

7.  Ciudad de Dios (2002)

8.  Reservoir Dogs (1992)

9.  ¡Olvídate de mí! (2004)

10.  La ciencia de los sueños, 2006

11.  Cantando bajo la lluvia (1952)

12.  Amores Perros (2000)

13.  Oldboy (2003)

14.  Cinema Paradiso (1988)

15.  The Secret in Their Eyes (2009)

16.  Parásitos (2019)

17.  Fresas salvajes – Ingmar Bergman

18.  El Laberinto del Fauno

O escoger otras de las siguientes corrientes cinematográficas :

• Cine Soviético
• Cine expresionista alemán‎
• Cine Surrealista
• Realismo poético francés
• Neorrealismo italiano‎
• Nouvelle vague‎
• Free cinema
• Cine Independiente
• Cine de realidad
• Cine paralelo soviético
• Cine clásico de Hollywood
• Ola negra
• Dogma 95‎

A partir de la visualización de la(s) película(s) seleccionada(s), desarrolla los siguientes ejes de análisis:

1️. Caracterización de la corriente cinematográfica. Identifica la corriente o movimiento cinematográfico al que pertenece la película (por ejemplo: Neorrealismo italiano, Nouvelle Vague, Expresionismo alemán, Cine clásico de Hollywood, Cine moderno, etc.).

CIUDADANO KANE (1940)

Ciudadano Kane (1941) no pertenece a ningún movimiento cinematográfico tradicional con un manifiesto escrito, se enmarca dentro del período clásico de Hollywood y es una obra fundacional clave del cine moderno. Es una pieza fundamental en el desarrollo del film noir (cine negro) gracias a su uso de la iluminación.

            Trata de la muerte del multimillonario magnate de la prensa, Charles Foster Kane, quien pronuncia la misteriosa palabra “Rosebud” (traducida a veces como “Ciudad de oropel”) antes de expirar. Un periodista llamado Thompson investiga su vida entrevistando a sus allegados para descubrir el significado de este enigma.

En cuanto a la película Ciudad de Dios (2002) no pertenece a una corriente clásica tradicional, sino al Novo Cinema Brasileño Contemporáneo, un movimiento también conocido de forma crítica como “Cosmética del Hambre”. Este enfoque modernizó el histórico Cinema Novo de los años 60 combinando un fuerte compromiso social con un estilo visual y narrativo hollywoodense.

2. Explica al menos tres características fundamentales de dicha corriente: Temáticas predominantes, Tratamiento del espacio y el tiempo, Uso del montaje, Estética visual, Relación con la realidad, Posición frente a la industria. Luego analiza cómo estas características se manifiestan específicamente en la película seleccionada señalando escenas concretas donde se evidencien dichos rasgos. Se espera que en tu reflexión se articule entre teoría histórica y análisis práctico.

O2 Filmes de Fernando Meirelles director de Ciudad de Dios, es la productora más importantes de Brasil, desde donde impulsa tanto cine como series locales y de proyección internacional. Su estilo visual destaca por el uso dinámico de la cámara en mano, un montaje ágil y un cuidado meticuloso del sonido.

3. Escribe una breve biografía del director incluyendo su formación, trayectoria, obras destacadas y contexto histórico que en el que se desarrolló para a partir de esto comenta ¿Cómo influyen sus experiencias personales o inquietudes artísticas en la película? ¿Consideras que puede percibirse alguna característica como marca autoral? ¿El filme responde a una búsqueda estética constante en su filmografía?

BIOGRAFÍA ORSON WELLES

Orson Welles (1915-1985) fue un aclamado director, actor, guionista y productor estadounidense. Considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX, revolucionó el teatro, la radio y el cine. Su obra maestra, Ciudadano Kane (1941), es frecuentemente aclamada como la mejor película de la historia. Nació el 6 de mayo de 1915 en Kenosha, Wisconsin y falleció el 10 de octubre de 1985 en Los Ángeles, California. Destacó desde muy joven en el teatro, la pintura, la poesía y la magia. Estuvo casado con Virginia Nicolson, la actriz Rita Hayworth y Paola Mori. También mantuvo un romance muy sonado con la actriz mexicana Dolores del Río.

El escándalo de la Radio: En 1938, adaptó La guerra de los mundos de H.G. Wells. Su innovador formato de “falso noticiero” provocó el pánico masivo entre los oyentes que creyeron que una invasión extraterrestre era real. En Ciudadano Kane a sus 25 años, escribió, dirigió y protagonizó esta cinta, marcando un antes y un después en el séptimo arte gracias a sus innovadoras técnicas de narración, iluminación y fotografía. Su filmografía como director incluye joyas del cine como:

• Macbeth (1948)
• Otelo (1952)
• Sed de mal (1958)
• El proceso (1962)

BIOGRAFÍA DE FERNANDO MEIRELLES

Fernando Meirelles (São Paulo, 9 de noviembre de 1955) es un aclamado director, productor y guionista brasileño. Es mundialmente conocido por dirigir Ciudad de Dios (2002), película por la que obtuvo una nominación al premio Óscar como Mejor Director, y por fundar la reconocida casa productora O2 Filmes. Estudió Arquitectura en la Universidad de São Paulo (FAU-USP), donde comenzó a experimentar con videos y cortometrajes con amigos. Olhar Eletrônico fue el innovador estudio independiente, famoso por llevar un enfoque fresco a la televisión brasileña en los años 80. La película Ciudad de Dios (2002), codirigida junto a Kátia Lund, es considerada una obra maestra del cine. Le valió cuatro nominaciones al Óscar. También dirigió las películas: El jardinero fiel (2005): Su debut en habla inglesa, protagonizado por Ralph Fiennes y Rachel Weisz. Ceguera (2008): Adaptación de la famosa novela de José Saramago. Los dos papas (2019): Aclamada película de Netflix protagonizada por Anthony Hopkins y Jonathan Pryce.

Proyectos recientes: Sigue altamente activo en la industria, desarrollando series y películas tanto en Brasil como a nivel internacional (incluyendo colaboraciones con plataformas como Netflix y HBO).

4. Lenguaje cinematográfico y construcción estética. Selecciona tres elementos del lenguaje cinematográfico y analízalos en profundidad: Planos y encuadres, Movimientos de cámara, Montaje, Iluminación, Color, Sonido, Actuación, Ritmo narrativo. Para cada uno describe cómo se utiliza estableciendo una relación con el efecto que produce en el espectador, luego analiza su función estética y narrativa y relaciónalo con la corriente histórica.

            El lenguaje cinematográfico es el sistema de códigos y reglas (visuales, sonoros y narrativos) que utiliza el cine para contar historias y transmitir emociones. Se compone de elementos estructurales que los directores combinan para construir el relato.

El Sonido

            El sonido en el cine es un pilar narrativo fundamental que envuelve al espectador y guía sus emociones. Se divide en tres componentes principales: los diálogos (que hacen avanzar la historia), la música (que marca el ritmo y tono) y los efectos de sonido. Abarca la voz (diálogos), la música (banda sonora) y los efectos de sonido (ambiente). Es fundamental para dirigir la atención del espectador y generar atmósferas.

            El sonido incluye los diálogos que es la columna vertebral del filme. Incluyen las voces directas de los personajes en escena, pero también la voz en off (voces dentro del mundo de la película que el espectador escucha aunque la fuente no esté en pantalla, como una llamada telefónica) y la voz over (narrador externo que solo escucha el público).

            Los Efectos de sonido que son todos los ruidos que acompañan la acción. Pueden ser objetivos (naturales de la escena), subjetivos (modificados para reflejar el estado mental del personaje) o descriptivos (para enfatizar un impacto).Foley: Es la recreación y grabación de sonidos cotidianos en un estudio (pasos, crujidos de ropa, movimiento de objetos) para dar realismo a las acciones de los personajes y por supuesto, algo que no se debe quedar, que es la música, en especial aquella compuesta específicamente para la película (banda sonora original) o preexistente, sirve para establecer el estado de ánimo, crear tensión y manejar el ritmo temporal de la escena. En el cine, el silencio absoluto prácticamente no existe. La ausencia intencional de sonidos o diálogos es un recurso dramático potentísimo utilizado para generar tensión, asombro o transmitir un vacío emocional en el espectador.

La Iluminación

            Es una herramienta narrativa y artística esencial. Yo diría uno de los aspectos más importantes de la producción cinematográfica. No solo permite que la cámara registre la imagen, sino que dirige la atención del espectador, comunica la atmósfera de la escena y define la psicología de los personajes. Modela los objetos y crea el entorno visual. Puede ser dura o suave, y define el género cinematográfico (como la iluminación de alto contraste en el cine noir).

            Podemos distinguir dos apreciaciones luminosas en el cine en cuanto a la calidad de la luz: Luz dura (Hard light) que proviene de una fuente pequeña y directa. Crea sombras muy nítidas, contrastes marcados y resalta las texturas. Se asocia con el misterio, el drama o el peligro (típico del género noir) y la luz suave (Soft light), creada mediante fuentes grandes o difusores. Las sombras son casi inexistentes o muy tenues, lo que genera transiciones suaves. Suele usarse para iluminar los rostros de forma halagadora o en escenas románticas.

            Debemos mencionar el Esquema de Tres Puntos (El estándar de Hollywood). Es la configuración más clásica y versátil para iluminar a un sujeto:

Luz principal (Key light): Es la fuente de luz más intensa y la que ilumina principalmente al sujeto, colocada a un ángulo de unos 45 grados.

Luz de relleno (Fill light): Se coloca en el lado opuesto de la luz principal. Su objetivo es suavizar y rellenar las sombras duras que deja la luz principal.

Contraluz (Backlight): Se sitúa detrás y por encima del sujeto. Separa al personaje del fondo, aportando profundidad y relieve.

Funciones narrativas de la iluminación: Luz ambiental: Ilumina el espacio general de manera uniforme para que el espectador entienda el entorno. Luz motivada: Aquella que parece provenir de una fuente visible en la escena (una ventana, una lámpara, la luna). Claves tonales: Se dividen en Clave alta (escenas muy iluminadas con poco contraste, usadas en comedias o musicales) y Clave baja (escenas oscuras con mucho contraste, usadas en terror o thrillers).

4. Temperatura de color y color

La iluminación define el tono emocional de la película mediante la paleta de colores. as luces con tonos más cálidos (amarillos, anaranjados) evocan comodidad, romanticismo o nostalgia. Las luces frías (azules, verdosas) transmiten tensión, frialdad, peligro o mundos distópicos.

Narrativa y Guion

            El guion es la piedra angular del cine, funcionando como el plano técnico y literario que materializa una idea en imágenes y diálogos. Es la estructura escrita de la película que dicta la historia, los diálogos y las acciones de los personajes. La narrativa, por su parte, es el arte y la estructura mediante la cual se cuentan los acontecimientos, combinando elementos dramáticos y lenguaje audiovisual para conectar emocionalmente con el espectador.

El guion cuenta con un encabezado de escena: Indica si ocurre en interior o exterior (INT./EXT.), la locación y el momento del día. Acción: Describe de forma visual y concisa lo que ocurre en pantalla. Personajes y Diálogos: Los diálogos deben hacer avanzar la trama, revelar el conflicto o mostrar la psicología del personaje.

5. Finalmente desarrolla una reflexión final donde comentes tu experiencia estética como espectador evaluando si la película logra coherencia entre forma y contenido y cómo la producción aporta a la historia del cine.

            La película Ciudad de Dios, narra con toda la crudeza posible una realidad de los personajes que en un ritmo vertiginoso dan nacimiento a la imparable evolución del crimen organizado en una favela de Río de Janeiro durante tres décadas, a través de los ojos de Buscapé, un joven que sueña con ser fotógrafo pero que sólo ve un camino en medio de una crisis por la vida que ciega toda posibilidad de éxito por el ahogo de una aplastante realidad.

            De ahí el éxito rotundo por retratar una realidad y en la misma veo un manejo muy profesional de los elementos cinematográficos necesarios para un buen cine: Buen sonido, acción, la naturalidad de los personajes y la adaptación a un diálogo callejero donde no todo está perdido, porque florecen los sentimientos. A pesar de tratar un tema oscuro y violento (tráfico de drogas y corrupción de la juventud), tiene momentos de humor y una banda sonora envolvente que refleja la vitalidad de la cultura brasileña. La historia se inspira en hechos reales (basada en la novela de Paulo Lins) y muestra cómo los niños son arrastrados a la violencia por el abandono institucional.

JORGE MIGUEL TORRES ALMONTE

Matrícula 90-6081  – UASD – Santiago

La hermosa beldad Mailyn Toledo fue electa Miss Teen Carnaval 2026; modelo joven que encarna la belleza, disciplina, cultura y compromiso que deben asumir los jóvenes de los tiempos actuales. Asume representando aquella generación de jóvenes con afán de logros, con ideales y buenos propósitos, que como ella, no solo ofrecen elegancia y presencia, sino también preparación, valores amor por nuestras tradiciones y mejor aún un compromiso social con aquellos hermosos ideales de nuestros patricios que con espíritu joven supieron luchar por una soberanía y una libertad que en su tiempo se creía imposible.

La joven Toledo avanza en su preparación académica y personal, entiende que sólo con responsabilidad y constancia se pueden alcanzar los ideales. Cree firmemente que los sueños, sean los que sean, no caen de la nada, sino que se construyen con esfuerzo diario y por eso asume con responsabilidad su formación académica de la mano con su pasión por el modelaje, disciplina que actualmente ejerce con pasión, con profesionalismo y determinación. De allí que veamos a una Mailyn explayándose con seguridad en la pasarela, mostrando su carisma natural, sin lugar a dudas… una digna representante de la juventud dominicana.

Su preparación incluye el dominio del idioma inglés e italiano, y un dominio del español escénico envidiable, herramientas que fortalecen su proyección internacional y la preparan para llevar con orgullo el nombre de la República Dominicana más allá de nuestras fronteras. Es sin lugar a dudas, una joven con metas claras, visión de futuro y un camino prometedor que apenas comienza.

Como Miss Teen Carnaval 26’, no solo porta una corona, sino, que representa un compromiso firme de resaltar y promover la cultura dominicana y sus raíces puertoplateña. Desde la hermosa Novia del Atlántico, levanta con orgullo las manifestaciones tradicionales, la identidad quisqueyana, el folklore musical y representación tropical, el colorido y la alegría que caracterizan nuestro carnaval plagado de ricas representaciones. Su misión es invitar a todos a conocer, valorar y celebrar la riqueza cultural, la diversidad y la magia que hacen de Puerto Plata un lugar único.

El carnaval es identidad, historia y expresión viva de nuestro pueblo, y Mailyn lo representa con pasión, respeto y entusiasmo. Su energía contagiosa y su amor por sus raíces la convierten en una embajadora juvenil que inspira a otros a sentirse orgullosos de quiénes somos y de dónde venimos.

Invitamos a seguir su trayectoria antes, durante y después del carnaval y acompañarla en cada paso de este hermoso camino en que con un rostro fresco y una digna representación, expresa su amor patrio.

Pueden seguir su trayectoria en Instagram, donde comparte sus actividades, proyectos y experiencias como Miss Teen Carnaval. Para invitaciones, colaboraciones o cualquier información, pueden contactarla directamente a través de su cuenta oficial en Instagram @mailynhz_

En síntesis: Mailyn Toledo es juventud con propósito, cultura con elegancia y talento con visión. Es el presente brillante de Puerto Plata y una promesa firme para el futuro de nuestra nación.

El comunicador Carlos Vargas, quien fungía como comentarista del popular programa meridiano “El show del mediodía”, falleció este jueves debido a un infarto. La información se confirmó en las cuentas oficiales del programa de televisión junto a un video.

“Su partida nos deja con un vacío inmenso, ya que su dedicación, su pasión y su compromiso con el trabajo han sido fundamentales para el crecimiento y el éxito de nuestra emisora”.

En un breve comunicado, describieron a Carlos como “un colega, era un amigo, un mentor y un líder que inspiró a todos con su ejemplo”.

“Su capacidad para comunicar ideas y emociones de manera clara y concisa lo convirtió en un verdadero maestro de la comunicación. Su legado en Color Visión es inmenso, y su recuerdo nos acompañará siempre”.

“Queremos expresar nuestro más sincero pésame a su familia y amigos, y a todos aquellos que lo conocieron y lo apreciaron”, agrega.

Rafael Paz en su cuenta de X, también lamentó la noticia.

“Consternado por el fallecimiento de mi amigo y compañero de programa Carlos Vargas, ejemplo de coraje, gallardía y defensa vehemente de sus causas. Qué tristeza me da su inesperada partida. No lo puedo creer. Mi sentido pésame a sus familiares. EPD”, reza el texto compartido por Paz.